Meu Top [10]: Filmes do diretor Martin Scorsese

Antes de tudo é preciso deixar claro: listas são pessoais, portanto, subjetivas. Ainda assim, tem tarefa mais complicada do que criar uma lista?! Alguns filmes são listados, outros acabam ficando de fora. Martin Scorsese dirigiu mais de 20 filmes, fora os documentários. Escolhi dez para constituir os meus preferidos de acordo com critérios inteiramente pessoais.

1.   Taxi Driver (1976)

Meu preferido. Estaria no meu TOP[10] não somente das obras de Scorsese, mas certamente dentre todas da história do Cinema. Um clássico. Obra que “apresentou” e consagrou Scorsese dentro do meio do Cinema, “Taxi Driver” conta a história de Travis Bickle (interpretado magistralmente pelo ainda jovem Robert de Niro), um ex – soldado do Vietnam, que tenta se alocar na sociedade americana após o conflito, trabalhando como um taxista nas noites de Nova York. Bickle, acaba então entrando em contato com tudo que não faz parte do “glamour” da cidade, lidando então com a prostituição, a marginalidade e etc. A Narração em “Primeira Pessoa” de Bickle é assustadora do ínicio ao fim, demonstrando o grau de psicopatia do personagem... Enfim, é um grandíssimo filme.

2.   Os Bons companheiros (1990)

Assim como Francis Ford Coppola (com sua trilogia “O Poderoso Chefão), Scorsese possuí um talento incomparavel para produzir filmes sobre o cenario gangster norte – americano, em destaque, a atuação dos italos – americanos no processo. Em “Os Goodfellas”, Scorsese nos conta a história de um garoto irlandês chamado Henry Hill, interpretado por Ray Liotta, que desde pequeno sonha em fazer parte da mafia italo – americana. O Filme então demonstra o caminho da ascensão do garoto nessa “empresa” e a trilha de sangue que se sucede. Muito bom mesmo!

3.   Touro Indomável (1980)

O Maior filme sobre Boxe de todos os tempos. Não somente pela reconstituição das lutas, mas sim pelo fator psicológico que o filme discute. Nessa película, somos levados a história do explosivo boxeador Jake la Motta, interpretado por Robert de Niro, que acaba destroçando sua vida e o auge de sua carreira justamente por conta desse temperamente explosivo. É uma biografia real, pois La Motta realmente existiu.

4.   Caminhos perigosos (1973)

O Filme que apresentou o maior parceiro cinematográfico – já deu pra perceber – de Scorsese: Robert de Niro. Outro grande clássico sobre a máfia italo – americana. O Filme conta a história de Charlie, interpretado por Harvey Keitel, um mafioso que vive da cobrança dos “tributos” das regiões de seu controle, que juntamente com Johnny Boy, interpretado por De Niro, acaba entrando em uma rede sem volta, no momento em que passa a dever aos seus credores. Não é dos filmes mais “ricos” de Scorsese, mas é importante pois apresentou o “cartão de visitas” do diretor.

5.   A Invenção de Hugo Cabret (2012)

Uma viagem. Um sonho para quem é fã de Cinema Clássico. Um filme sobre as origens do Cinema. Metalinguistico do inicio ao filme. Assim é “Hugo”. O filme que conta a história de um jovem orfão que acaba entrando em contato com o gênial Georges Méliès, um dos pioneiros do Cinema, faz citações do inicio ao filme. Passa por Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, e obviamente o próprio Méliés. Muito bom mesmo. Lúdico do inicio ao fim.

6.   Gangues de Nova York (2002)

Um verdadeiro épico sobre a principal cidade norte – americana: Nova York. A cidade do luxo, das compras, nasceu em meio ao conflito, o derramar de sangue. É essa a mensagem que “Gangues de Nova York” nos passa de imediato. O Filme conta a história dos conflitos existentes entre os colonos americanos e os imigrantes irlandeses no decorrer do século XIX.

7.   O Lobo de Wall Street (2014)

Ostentação. Luxo. Drogas, bebidas e prostitutas. Isso tudo dentro do cenário dos corretores norte – americanos. Filme sensacional de Scorsese, na qual ele conta a história real do jovem corretor Jordan Belfort, que subiu na vida, graças ao seu talento na retórica, e mais principalmente as suas trapaças dentro do ramo da bolsa de valores.

8.   Os Infiltrados (2006)

Mais um filme sobre a máfia, só que dessa vez é a máfia irlandesa de Boston. Filme interessantíssimo de Scorsese na qual ele cria todo um clime de suspense, de traições, de surpresa, enfim, de “infiltrações” entre políciais e mafiosos como já indica o próprio titulo do filme.

9.   Cabo do Medo (1991)

Filmaço. Suspense do início ao fim. Mais uma parceria de Scorsese com De Niro. O Filme conta a história de Max Cady, um extuprador, interpretado por De Niro, que ao sair da cadeia passa a perseguir a familia de seu advogado de defesa por considerar que aquele não o defendeu como devia.

10.               A Ultima tentação de Cristo (1988)

Com certeza o filme mais polêmico de toda a carreira de Scorsese. Foi repudiado em todo mundo pela Cristandade, e contra indicado pelo Vaticano como o filme mais herege da história. Baseado no livro do grego Nikos Kazantzakis, Scorsese “reconstroi” a vida de Jesus Cristo, pensando-o mais como um sujeito humano do que puramente divino, atentando para as suas fraquezas carnais e escolhas.. Enfim, muito polêmico mesmo.

Ass: Rafael Costa Prata

Graduado em História pela Universidade Federal de Sergipe

Cinema de Rua: Uma nostalgia por uma época que não vivi...

          Não nasci na época. Infelizmente. Mas imagino que deva ter sido um período muito legal. As únicas impressões que tive vieram justamente do imaginário criado pelos filmes. Filmes americanos. Cenas onde pessoas caminham nas ruas em direção a eles: os cinemas de rua. 

         Acredito que deviam ser poucas salas. Salas não tão grandes. Na faixada do cinema, os cartazes dos grandes filmes exibidos no momento com alguma grande luz para iluminá-los. “Casablanca” talvez. Quem sabe “E o vento levou”. Outros tempos.

         O Cinema deixou de ser de rua. Passou a ser de “shooping”. Não está mais na avenida, ou na pequena rua. Agora se encontra em uma “viela” dos shoopings. Grandes centros comerciais. Grandes empresas. Não dá pra ir ao Cinema, sem ter que entrar no shooping. Talvez aquele casal só quisesse ir ao Cinema, sem necessariamente se bater com a infindavel quantidade de lojas e o barulho dos shoopings.

        

http://aracajuantigga.blogspot.com.br/

Mas não dá. Os tempos mudam, a realidade é outra é claro. Tem que se conformar. Nostalgia chata? Quem sabe... Pode até ser. Mas deve ter sido uma época legal.. Aqui em Aracaju tivemos o Cinema Rio Branco, fundado em 1905, localizado na antiga Rua João Pessoa, onde foram exibidos grandes clássicos do cinema mudo, inclusive, com acompanhamento musical, e filmes falados também. Não foi  o único... Também tivemos o Cine Palace, o Cine Aracaju, o Cine Universal dentre outros..

         Deve ter sido realmente uma época boa.. Tenho a nostalgia por algo que não vi e vivi!

           Ass: Rafael Costa Prata

           Graduado em História pela Universidade Federal de Sergipe

“Clube de Compras Dallas” (2013): um grande filme sobre o “boom” da AIDS nos anos 1980, o preconceito e a ganância das empresas farmacêuticas

Imaginem um cowboy texano de natureza homofóbica, vivendo e compartilhando suas ideias no decorrer dos anos 1980, mais precisamente quando a ainda obscura doença da AIDS se proliferava, causando medo em todo o mundo.

Ron Woodrof, personagem principal da película “Clube de Compras Dallas", dirigido por Jean – Marc Vallé, realmente existiu. Foi, além de um cowboy texano, um eletricista que, durante sua vida, vivera intensamente entre farras com mulheres, golpes em apostas de rodeios e uma vida repleta de drogas.

Paradigma do preconceito de uma época, Ron nascera em 1950, tendo falecido em 1992, aos 42 anos de idade, seis anos após a descoberta da AIDS em sua vida. Assim como ele, muitos outros de sua época, os anos 1980, acreditavam e proliferavam a ideia de que a AIDS seria uma “peste gay”, uma doença originaria no seio das pessoas homoafetivas.

Mais do que “somente acreditar nessa ideia”, que por sí só era altamente preconceituosa, o desconhecimento das origens da doença, e principalmente do modo como ela se propagava, fazia com essas pessoas muitas vezes partissem para em muitos casos, além da segregação, uma violência física.

O Filme já começa nesse sentido: Ron Woodrof destilando seu preconceito contra o grande ator Rock Hudson, ao ler em uma pagina de jornal, que aquele se encontrava em uma cama de hospital, em seus últimos dias, frente a força da doença. Durante os primeiros trinta minutos do filme não tem como não odiar Woodrof: ele é o espelho do preconceito, o paradigma do que foi citado acima.

Aliás, é justamente o seu preconceito, aliado com o desconhecimento, que faz com que o próprio Woodrof não acredite que esteja portando o vírus, ao receber a notícia de um médico. Muito pelo contrário, a sua reação mais imediata é se revoltar contra o médico, por achar que está sendo ofendido, por considerar que o médico esteja chamando-o de gay.

Mas é justamente daí em diante que a situação muda. O Filme muda completamente. Ao que parece, a descoberta da doença por Woodrof, o leva gradativamente a uma descoberta de uma humanidade que parecia estar bastante escondida nele mesmo.

Ron Woodrof se “transforma”. Ao descobrir a doença, e com isso o medo da morte, passa a procurar meios de estender mais ainda o seu tempo de vida – o médico havia lhe dito que teria somente um mês de vida , o que o fará se chocar com o ministério que controla a saúde nos Estados Unidos.

Eis um outro ponto central nessa película: o diretor Jean – Marc Vallé, através da figura real de Woodrof, faz uma forte e necessária crítica sobre os interesses que se escondem por detrás de uma suposta validade dos tratamentos frente a doença. Em outras palavras, Vallé critica os interesses financeiros, o mercado existente sobre a vida alheia; é nesse sentido que Ron, o que de fato aconteceu, descobre que a droga “AZT”, o principal medicamente “oferecido” pela rede de saúde do país, é mais indicado nos hospitais por conta de um cartel existente entre o governo e a respectiva empresa farmaceutica produtora, do que propriamente por oferecer uma melhora significativa na vida das pessoas. Muito pelo contrário, a “AZT” destruia tanto as celulas infectadas, como também as celulas em plena saude.

O interessante nisso tudo é que o filme mostra como se dá a transformação mental na vida de Ron de forma justa, sem atropelos e romantismos exagerados. Ao descobrir a doença ele continua homofóbico. Depois, ao descobrir que pode contrabandear remédios estrangeiros que possuem um efeito significativo sobre a doença, tem a ideia de lucrar com isso, criando então o seu chamado “Clube de Compras Dallas”. Mas, é na última etapa do filme, que se dá sua transformação completa: percebemos que Ron Woodroff já sustenta o seu “clube” como uma atividade filantrópica. Ron agora é um ativista que convive com os portadores, que luta na justiça, que sofre processo, mas não desiste. É um “traficante de remedios” por necessidade e ativismo.

Enfim, “Clube de Compras Dallas” é um filme que, por detrás da triste temática, traz varias reflexões necessárias. Vale muito destacar, além da direção de Jean – Marc Vallé, as sensacionais atuações de Matthew MacConaughey – que interpreta Ron Woodrof –  e Jared Leto – que interpreta Rayon, pois ambos, além das atuações magistrais, levaram na pele mesmo a “interpretação da doença” a época, tendo emagrecidos cada um, mais de vinte quilos para interpretá-los. Ambos foram indicados ao Oscar, o primeiro para o prêmio de “Melhor ator principal”, e o segundo para “Melhor ator coadjuvante”.

“Clube de compras Dallas” cumpre assim seu principal objetivo: levar as telas a biografia de um sujeito, Ron Woodrof, que sofreu uma enorme transformação em sua vida, não apenas no aspecto físico, mas sobretudo mental. De sujeito deveras homófobico, transformou-se num dos ativistas mais presenciais e significativos de sua época. Parece muito “coisa de filme”, mas no caso de Ron, foi real.

Ass: Rafael Costa Prata

Graduado em História na Universidade Federal de Sergipe

A Mansão do Diabo (1896): o primeiro filme de terror da história do Cinema

Georges Méliès foi com certeza um dos grandes gênios da história do Cinema. Ilusionista de “profissão”, Méliès levou então para a recém criada arte de sua época, uma série de artifícios que fizeram-no ser conhecido a posteriore como “o pai dos efeitos especiais”.

Tendo dirigido, produzido e atuado em pouco mais de 500 curtas, Méliés possui o merito de ter produzido aquele que pode ser considerado o primeiro filme – ainda que tenha pouco mais de três minutos – de terror do Cinema: a Mansão do Diabo.

Assim, a película “A Mansão do Diabo”, dirigida por Méliès em 1896, em seus 3 minutos de duração nos leva a história de um cavaleiro que, ao entrar na mansão do diabo, acaba sendo atormentado por uma serie de ilusões, pesadelos e tormentos produzidos pelo patrono da casa.

Assim como em suas demais produções, é o próprio Méliés quem interpreta a personagem principal, nesse caso, a figura de Memphistopheles, ou o diabo. Nesse curta paradigmático, Méliés mais uma vez demonstra a sua arte do “cortar e colar”, que consistia no recorte de uma cena que será transposta sobre outra afim de configurar uma nova cena. Desse modo, por exemplo, é que se constroi a ilusão do morcego transformando-se no diabo subitamente no decorrer de todo o curta.

Deste modo, o pequeno curta produzido por Méliés abriu as portas para um campo que ganharia mais força ainda no decorrer da década de 1920, quando o cinema expressionista alicerçou o estilo, através de clássicos filmes como “O Gabinete do Dr.Caligari” (1920), Nosferatu (1921), dentre tantos outros.

Ass: Rafael Costa Prata

Graduado em História pela Universidade Federal de Sergipe

Her (2013): uma belíssima metáfora sobre a solidão do homem moderno diante da geração cibersp@ce

Ao primeiro olhar, a película "Her" (2013), dirigida por Spike Jonze, parece ser só mais um exemplar dentre os inúmeros filmes dramáticos que procuram refletir sobre a tristeza que reside na solidão humana. Mas não o é  . “Her” é um filme belíssimo que trabalha com delicadeza e profundidade um dos traços mais característicos da sociedade moderna: a solidão, o vazio existencial, e a consequente procura por um preenchimento dessas questões no “placebo” oferecido pelo mundo ciberspace.

O Filme, que pode ser caracterizado como um “romance de ficção cientifica”, retrata o “mundo de amanhã” cada vez dominado pela imersão das pessoas na redoma oferecida pela tecnologia. Neste, somos levados a vida de Theodore Twombly (interpretado magistralmente por Joaquin Phoenix), um homem que passado um ano de seu divorcio, procura preencher o vazio de sua vida através dos produtos que a tecnologia oferece.

Desta maneira, Theodore, após o termino de suas obrigações diárias na empresa de digitação de “cartas digitais”, passa a maior parte do tempo jogando videogame ou passeando por feiras de exposição de produtos novos. Theodore, que ainda não se conformou com sua separação, leva então uma vida de inteira solidão.

Será numa dessas feiras que Theodore “se bate” com a venda de um novo software: uma consciência, um produto que, ao ser instalado no computador, iphone, ou qualquer outra coisa, toma a forma de uma consciência humana, interagindo e crescendo no contato intelectual com a pessoa que a compra. Uma mente sem corpo. Theodore compra o software, e ao instalá-lo, escolhe que o produto tome a “forma” de uma voz feminina que se auto nomeia Samantha.

Bom, daí em diante o filme segue para então demonstrar como Theodore passa a se “relacionar” com Samantha, com o intuito de demonstrar então como que a humanidade parece querer trilhar seu caminho no refugio oferecido pela tecnologia. De forma bem paradigmática, o filme ao demonstrar como esses e outros aparelhos tecnológicos de um futuro próximo são dotados de uma voz e consciência sintética bem evoluída, acaba por retratar mais ainda a falta de interação entre as pessoas no convívio social. Dessa maneira, nas cenas em que aparecem ruas e avenidas movimentadas, o que vemos são pessoas caminhando com seus aparelhos e fones de ouvidos de modo que estão ali “falando sozinhas”, algo que inclusive já é cotidiano em nossos dias.

A mensagem final que o filme quer passar é que, ainda que esses meios possam preencher temporariamente o vazio e a solidão das pessoas, o contato pessoal e as relações humanas não devem ser nunca desprezadas. O Ser humano necessita e sempre necessitará do toque, do olhar, e de uma mente que esteja dentro de um corpo para dar sentido a sua existência.

Ass: Rafael Costa Prata

Graduado em História pela Universidade Federal de Sergipe.

A “Mammy”: um dos mais fortes estereótipos racistas na história do Cinema

A premiarão da grande atriz Hattie MacDaniel no Oscar de 1940 como melhor atriz coadjuvante por sua atuação em “ E o vento levou” (1939) fez emergir uma grande contradição: ao ganhar a estatueta, Hattie se tornar a primeira artista afro – americano a ganhar a honraria, entretanto, o papel a que foi destinada se apresenta, e se apresentava a época, como um dos grandes estereótipos raciais.

Hattie, que não tinha obviamente culpa disso, deu papel a “Mammy”, uma ex – escrava, que após o fim da escravidão nos EUA, no pós – recessão, se tornara empregada domestica na casa de um fazendeiro rico, onde, além de cuidar das questões da casa, ajuda na criação dos filhos de seu patrão.

Apesar do prêmio, e dos elogios em outros tantos papeis, Hattie sempre foi alvo de ataques inclusive dos próprios órgãos de luta contra o preconceito, por muitas vezes ter aceitado o papel de domestica em muitos filmes, tanto antes, como depois de “ E o vento levou”.

Mas, como dito, o que emerge disso tudo é justamente a questão do preconceito, do estereótipo; Mammy, a ex – escrava que se torna uma “Boa criada”, uma espécie de ama de leite ou, é um dos mais fortes estereótipos raciais da história, que se refletiria é claro em vários meios, como o Cinema e a Literatura.

Portanto, por trás da construção da graça e do carinho que envolve o estereótipo da “Mammy” está um arraigado preconceito incidente sobre os negros. A “mammy” é quase sempre reproduzida então como uma ex – escrava, “transformada” em domestica no pós – abolição, que convive em “harmonia” com seus antigos donos, como se as dores e cicatrizes de outrora fossem inexistentes.

Aqui em nosso país, com certeza, a imagem mais forte e significativa em nossa cultura desse estereótipo está na construção da personagem literária “Tia Nastácia”, depois transposta para as telas da TV, no clássico literário “O Sítio do Picapau amarelo” do escritor Monteiro Lobato. Tia Nastácia é construída como uma subserviente – e gordinha, sim, porque o quesito físico fazia parte fundamental do estereótipo - empregada domestica da fazenda de Dona Benta, cuja ocupação está nos afazeres da casa e nos cuidados com Pedrinho e Narizinho, novamente como uma espécie de antiga “ama do leite”.

Assim, a “Mammy” era sempre uma ex – escrava que, por mais que a escravidão tivesse terminado, continuaria a viver em função de seus patrões, como se ela própria não tivesse sua vida particular. É alguem que sofre com as agruras e sofrimentos de suas senhorinhas, mas nunca sabemos o que se passa em seu seio pessoal.

O Estereótipo da “Mammy” era tão disseminado que chega a aparecer, por exemplo, em desenhos infantis, como “Tom e Jerry”, na qual se observa a presença da “Mammy”, uma senhora obesa e negra, de identidade desconhecida, pois é quase sempre demonstrada da cintura para baixo.

A “mammy” permanece em vigor até os nossos dias. As vezes, sua imagem passa despercebida, mas de modo algum deixou de existir. Cabe a nós então percebermos que, por detrás de uma representação, as vezes há um estereótipo arraigado por um bom tempo.

Ass: Rafael Costa Prata

Graduado em História pela Universidade Federal de Sergipe

Top Gun (1986): um sucesso propagandístico para a marinha norte – americana

Os Estudos Unidos é um país que, por predileção, venera o porte de armas, direito assegurado pela segunda emenda da constituição do país, redigida em 1791. Por suposto, o principal traço de toda a história americana, seja em seu passado ou no presente em curso, é o belicismo. Historicamente, os Estados Unidos tem sempre sido encarado como uma potência militar que, em muitos casos por interesse imperialista, tem entrado em muitos confrontos militares com várias nações, fator que, tem sido apontado por estudiosos, como consequência do controle da política americana por parte das grandes empresas bélicas nacionais.

As forças armadas do país são vistas, como consequência disso tudo, como verdadeiros símbolos nacionais. No Cinema, inúmeros filmes foram produzidos no intuito de louvar o heroísmo das instituições militares americanas, na maioria dos casos o exercito em ocasiões de guerra.

Nesse sentido é que aparece a película “Top Gun” (1986), dirigida por Tony Scott. A película, em linhas gerais, conta a história do egocêntrico e rebelde piloto de caça da Marinha Maverick, interpretado por Tom Cruise, que acaba se envolvendo com Charlie, interpretada por Kelly McGilles, sua chefa durante seu treinamento na Navy Fighter Weapon. Do roteiro simples, e essencialmente romântico do filme, sobressai contudo um significado propagandístico: no decorrer de todo o filme, há uma glamourização, e um certo convite subliminar, das atividades da Marinha americana.

De fato isso não é por acaso, pois a própria marinha norte – americana patrocinou diretamente a produção, concebendo, além de um investimento capital, as aeronaves, locações, treinamentos especializados para que o filme fosse realizado o mais “próximo” da realidade possível. Como resultado, o filme de quase 2 horas de duração, é praticamente um panegírico da marinha norte – americana, com destaque para o enfoque na reprodução de muitas cenas dos treinamentos nos caças, os combates, o fortalecimento da disciplina dos pilotos, e principalmente, o heroísmo e patriotismo daqueles.

Ainda que em 1986 a famigerada “Guerra Fria” estivesse entrando em seu crepúsculo, “Top Gun” ainda respira um pouco desses ares, pois, em algumas de suas passagens, há sempre citações aos russos, aos seus armamentos, há possibilidade de entrada de “objetos não identificados” no céu norte – americano.

Top Gun foi um sucesso absoluto de público. Por vários motivos: seu enredo simples, direto, romântico, e especialmente pelo caráter “patriótico” da película. Sua trilha sonora é considerada até hoje uma das melhores da história do Cinema, tendo a canção “Take My Breath Away” da Banda Berlin, ganho o Oscar de melhor canção do ano. Como consequência, o efeito da propaganda foi consumado: graças a Maverick, a marinha norte americana, além de reforçar sua áurea, viu um número crescente no que tange aos pedidos de alistamento, o que é significativo quando temos em mente que o alistamento por lá não é obrigatório.

Ass: Rafael Costa Prata

Graduado em História pela Universidade Federal de Sergipe

“Filmes ruins, árabes malvados: como Hollywood vilificou um povo” (2007): um olhar sobre a representação dos árabes no Cinema americano

        Num passado não tão distante eram os russos. Durante os anos 1950 a 1970, no auge da famigerada “guerra fria”, foram eles os “grandes vilões” a serem explorados no Cinema. Curiosamente, ainda que a guerra fria tenha terminado, o processo continuou nas décadas seguintes, pois, na necessidade de um vilão típico, os grandes filmes de ação de estrelas como Sylvester Stallone, Van Damme, entre outros, continuam a se utilizar desse batido estereotipo sobre os russos.

         Mas chega uma hora que o vilão passa a não ser mais “atrativo” para o público. Deixa de ter uma boa recepção. Passa a não ter tanta “compatibilidade” com os novos tempos históricos. Então o que se deve fazer?! Simples, basta reciclar o processo, alterando apenas o vilão em questão, procurando manter todavia a estrutura da história.

         Foi assim então que, principalmente a partir dos anos 1980, os árabes foram “tomando” gradativamente o espaço dos russos no posto de vilões preferidos do cinema hoollywoodiano. Foi com o intuito justamente de estudar esta questão que o Dr. Jacques Shahen escreveu sua obra “Reel Bads Arabes”, na qual empreende a uma análise de quase mil filmes para observar o papel a que tem sido destinados a eles em tais películas.

        

Desta forma, o documentário que possui pouco mais de 50 minutos, nos mostra desde o estereotipo comum dos arabes utilizado na chamada “era de ouro do Cinema” até a representação dos dias de hoje. Durante as decadas de 1920 a 1960, a ideia ou estereotipo utilizado era o da “arabland”, ou seja, a de um país exótico, habitado por “seres estranhos”, por dançarinas do ventre e mercadores de tapetes voadores. É a arabia de Ali Babá, de Bagdá e de Aladin.

         Porém, no decorrer dos anos 1980 o quadro se modifica em consonância com o quadro geopolítico; como os Estados Unidos passa a entrar em choque com alguns países de predominância árabe, a representação passa a ser “politizada”: os árabes se tornam terroristas sádicos, megalomaníacos que colocam em risco a “paz mundial”, estando nas mãos dos americanos justamente o dever de restaurar a ordem e defender o Ocidente desse “risco”.

        

Passa a chover então uma serie de filmes baratos de ação, como o clássico “True Lies”(1994) com Arnold Schwarzenegger e Jamie Lee Curtis, onde o enredo central é quase sempre o mesmo: um terrorista e uma organização árabe que ameaça explodir alguma localidade americana, pondo em risco a vida de inocentes.

         Enfim, o documentário em questão é importantíssimo, pois nos ajuda a compreender como uma imagem pejorativa, e destrutiva por assim dizer, pode reforçar um ideário político vigente. Em tempos de conflito, o Cinema acaba sendo um instrumento de um país para “alimentar” a raiva de sua população frente a um “inimigo” que muitas vezes é desconhecido, mas que, diante dessa “construção” se apresenta como tal aos olhos de um povo.

Ass: Rafael Costa Prata

Graduado em História pela Universidade Federal de Sergipe